La ressemblance, particulièrement à l’époque de la Renaissance, n’est souvent qu’un mythe : à la fois une opération « légendaire », littéraire, et un « bricolage », un montage technique destiné à réunir dans le concret des ordres de pensée ou de réalité tout à fait hétérogènes. C’est ainsi que le fameux « portrait de Dante » par son « ami Giotto » – qui a fixé jusqu’à aujourd’hui notre image du poète – n’aura été qu’une invention rétrospective destinée à fonder, au XVIᵉ siècle, l’idée d’une Renaissance tout entière ordonnée par la conquête des ressemblances optiques et picturales… et à refouler de notre culture historique l’importance des ressemblances par contact en usage dans maints objets florentins du Trecento et du Quattrocento.
Une réflexion sur un célèbre portrait en buste, moulé et modelé en terre cuite, poursuit ce parcours critique : à travers son destin dans le discours de l’histoire de l’art – chef-d’œuvre de Donatello ou, au contraire, oeuvre indigne du qualificatif même d’« artistique » ? – on verra émerger quelques présupposés théoriques majeurs de la discipline elle-même qui, trop souvent, ignore qu’elle regarde aussi avec ses… mots.
Dans l’autoportrait « christique » de Dürer, enfin, nous aurons à découvrir que l’image peinte n’avait rien, pour lui, d’une simple conquête virtuose sur le monde visible. Envisagée au prisme de son inquiétude religieuse, elle s’imposait plutôt comme un drame de la ressemblance : ainsi dans la hantise de visages disparaissant sous le blanc des linceuls.